MFLARTE

Boldini e la Belle Époque: Como, Villa Olmo

2011-03-29T11:16:00.000+02:00

Oltre 120 opere per una rassegna monografica e tematica al tempo stesso, che presenta 60 capolavori del pittore ferrarese a fianco di 60 opere dei più importanti artisti di fine Ottocento italiano, da De Nittis a Corcos, da Zandomeneghi a Signorini, in grado di ripercorrere l’evoluzione del gusto pittorico che rappresentò quel felice periodo storico conosciuto come Belle Époque.Sette anni di successi e oltre 600.000 visitatori hanno fatto di Como uno dei centri espositivi più importanti d’Italia.

Dopo gli appuntamenti dedicati, tra gli altri, a Miró, Picasso, Magritte, agli Impressionisti, a Klimt e Schiele, e a Rubens, dal 26 marzo al 24 luglio 2011, le sale della settecentesca Villa Olmo si aprono ai capolavori di Giovanni Boldini e ad altri straordinari artisti italiani, da Giuseppe De Nittis, sublime interprete di un’eleganza raffinata e metropolitana, a Federico Zandomeneghi, le cui tensioni introspettive sono vicine all’impressionismo francese, a Vittorio Corcos, che porta sulla tela il magnetismo senza tempo dell’universo femminile. La mostra, curata da Sergio Gaddi, assessore alla cultura del Comune di Como, e da Tiziano Panconi, fra i maggiori esperti della pittura italiana dell’800, è ideata e prodotta dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Como, con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, della Regione Lombardia e con il sostegno di Unicredit in qualità di main sponsor.

Se da un lato i 60 capolavori di Giovanni Boldini, come Mademoiselle De Nemidoff (1908), Berthe che legge la dedica su un ventaglio in piedi nel salotto, Nudo di giovane donna semisdraiata (1863), Femme au gants (1888), Ritratto di Emiliana Concha de Ossa (1901), permettono di gettare una luce sull’attività internazionale di uno degli indiscussi protagonisti dell’arte italiana ed europea di fine ‘800-inizi ‘900, dall’altro, le 60 opere dei più importanti artisti di fine Ottocento italiano, consentiranno di ripercorrere, a livello figurativo, l’evoluzione del gusto pittorico che si diffuse in tutta Europa e che rappresentò i cambiamenti di questo nuovo mondo, nei suoi aspetti estetici più peculiari, dall’emancipazione dell’individuo alla crescita della consapevolezza femminile.

BOLDINI E LA BELLE ÉPOQUEa cura di Sergio Gaddi e Tiziano Panconi
PERIODO26 marzo - 24 luglio 2011SEDEComo, Villa Olmo - via Cantoni 1
ORARIda martedì a giovedì: 9 -20; da venerdì a domenica: 9 -22 (la biglietteria chiude un’ora prima);lunedì chiuso
BIGLIETTIIntero: 10 €; Ridotto: 8 € (visitatori oltre 65 anni e tra 6 e 18 anni, universitari fino a 26 anni, gruppi di almeno 25 persone con ingresso gratuito per l’accompagnatore, categorie convenzionate); Ridotto scuole: 5 € (gruppi scolastici di almeno 25 persone con ingresso gratuito per due accompagnatori); Gratuito: bambini fino a 6 anni, disabili con accompagnatore

Il Viandante e la Sua Ombra: Villa De Sanctis, Roma

2011-03-23T10:32:00.002+01:00

Il Viandante e la Sua Ombra.

La mostra è realizzata con il Patrocinio della Regione Lazio, della Provincia e del Comune di Roma e del VI Municipio.
Ad esporre alcuni tra i più interessanti artisti del panorama contemporaneo che si confronteranno, ognuno con i propri mezzi espressivi , senza alcuna censura o vincolo imposto, sull'unico dialogo scritto da Nietzsche.

Alessio Brugnoli, direttore artistico e curatore della mostra inaugurale, dichiara il suo intento di creare un nuovo centro di promozione dell’arte contemporanea emergente e non solo, in grado di rispondere alle esigenze culturali degli artisti e del pubblico contemporanei.

Lo spazio, fortemente voluto dai consiglieri comunali del VI Municipio Massimo Lucà e Gianluca Santilli, nasce con il preciso scopo di recuperare alla città l’area di Villa Fiori e diffondere l’arte nel territorio circostante.Tappa importante nel cammino di recupero del parco di Villa De Sanctis, iniziato nel 1994, il CLAC segna la nascita di un nuovo polo culturale nella semiperiferia romana.

Polo culturale che guarda al passato ed al futuro: da una parte permette la valorizzazione ed il recupero di una delle più interessanti aree archeologiche di Roma, estesa sulla tenuta 'Ad Duos Lauros', caratterizzata da catacombe, resti paleocristiani e le rovine del mausoleo di Elena, madre dell'Imperatore Costantino.

Dall'altra, valorizza alcuni tra i più interessanti artisti contemporanei italiani, con una serie di mostre che contaminano i linguaggi tradizionali, come la pittura e la scultura, con quelli innovativi della Digital Art, della Body Art e della Video Art.

ROMA, 23 Marzo – A Roma il 25 marzo 2011 nel parco di Villa De Sanctis in via Casilina 675 alle ore 18: 30, il CLAC, inaugurerà la sua attività espositiva con la mostra
Artisti:Alessandro Di Gregorio, Salvatore Melillo, Ignazio Fresu,Andrea Martinucci, Dorian Rex, Marco Rea (opere da collezione privata), Luca Lillo, Claudia Venuto, Marco Besana, Vincent Bios, Valentina Majer, Gloria Vanni,Chiara Fersini, Irene Salvatori, Francesca Fini, FabrizioJelmini

San Valentino: Arte per due

2011-02-12T13:59:00.000+01:00

San Valentino rappresenta per antonomasia il giorno della dolcezza e dell’amore.

Un’occasione per tutti coloro che si vogliono bene per stare insieme, regalandosi fiori, cioccolatini o semplicemente momenti di condivisione e d’amore. E cosa meglio dell’Arte per rappresentare l'Amore?

Un binomio dall’ineguagliabile forza ispiratrice che nei secoli ha guidato la mano dei più grandi pittori e scultori.

Per questo il Ministero per i Beni e le Attività Culturali, il 12 e 13 febbraio ha deciso di regalare a tutte le coppie un San Valentino alternativo, con la possibilità di conoscere e riscoprire le meraviglie del patrimonio culturale italiano offrendo due ingressi al prezzo di uno in tutti i musei, monumenti e siti archeologici statali.

Daniele Capecchi espone ad Overlook Agenzia d’Arte

2011-02-09T20:04:00.000+01:00

Overlook Agenzia d’Arte presenta la prima personale in galleria del giovane artista ditalento Daniele Capecchi, in cui saranno esposte tele di grandi dimensioni, frutto dellasua ultima produzione.La galleria d’arte di Quarrata (PT), continua la sua stagione espositiva con una mostrain cui presenta una bellissima serie di ritratti, di personaggi famosi e no, che diventanoper l’artista il simbolo più identificativo del suo atto creativo. Clint Eastewood, MarylinMonroe, Dennis Hopper, Samuel Beckett, Gianni Agnelli, Grace Kelly, ecc..., maanche autoritratti significativi e volti particolari in cui ritrovare storie e inquietudini.

“Volti. Scavati nella penombra e, più spesso, da una luce aurorale che accende disignificati una posa, una smorfia, una maschera; l’ombra di verità nascoste sotto la pelle.

Volti come icone di una contemporaneità straziata da mille inquietudini, da un maleoscuro che scorre, come un fiume in piena, nell’alveo emblematico di tante cavernoserughe. Volti, ancora, come immagini rivelatrici di storie scritte, con beffardo ghigno, daldestino, buttate in pasto alla vorace indifferenza di un’umanità, per la quale sarebbe ilcaso di usare un’altra, e più feroce, definizione.Volti e non soltanto volti, dunque, quelli che dipinge, rivisitandoli nella memoria, DanieleCapecchi. Basterebbe indagare ognuna delle tipiche espressioni per rendersi conto dellamoltitudine di scenari interiori che insistono oltre la rigida apparenza fisionomica: itinerariintellettuali, emozionali, persino virtuali, riassunti in una effigie che indovini innervata dainvisibili e misteriose scorie esistenziali.” (Giovanni Faccenda)

Inaugurazione: Sabato 12 Febbraio 2011 ore 18.00
Durata mostra: 12 Febbraio – 12 Marzo 2011Orario: lun – ven dalle 9.00 alle 13.00 - dalle 15.00 alle 19.00sab dalle 9.00 alle 13.00 - sabato pomeriggio e domenica su appuntamento

Bologna Art First 2011

2011-01-30T14:06:00.000+01:00

Arte Fiera Art First celebra quest’anno la sua 35a edizione che si terrà a Bologna dal 28 al 31 gennaio 2011.Una delle prime fiere internazionali d’arte moderna e contemporanea nata in Italia negli anni ’70, si è imposta nel corso delle diverse edizioni come la più importante fiera d’arte italiana che ogni anno attrae galleristi, collezionisti, curatori, artisti e appassionati italiani ed internazionali, un immancabile appuntamento che apre la stagione fieristica dedicata all’arte moderna e contemporanea.Attenta alla nuova funzione che le fiere del settore hanno assunto nell’ambito del mercato dell’arte, Arte Fiera Art First ha preservato intatti negli anni il proprio ruolo di grande vetrina del mercato dell’arte mondiale e la propria identità di valorizzazione e promozione della ricerca artistica italiana ed internazionale dai primi anni del Novecento alle tendenze attuali, potenziando progressivamente la sinergia con le istituzioni locali attraverso un programma di eventi collaterali di alto livello.

Le oltre 200 gallerie partecipanti, distribuite su 15000 mq espositivi del quartiere fieristico bolognese, sono suddivise in tre settori dedicati all’arte moderna, contemporanea e alle ultime tendenze, con la sezione decisamente internazionale che ospita le gallerie di ricerca con non oltre 5 anni di attività, per avvicinare al mercato dell’arte e al collezionismo un pubblico sempre più ampio.

La Capitale del Design si illumina: Milano Led 2010

2010-12-07T12:56:00.001+01:00

Questo Natale la Cittá grigia si illumina ... Il Progetto Led 2010 alla sua seconda edizione dá nuova vita alla Capitale del Design.

Una grande competizione fra giovani talenti delle Scuole e Accademie della metropoli e un invito speciale ai designer più affermati della scena contemporanea, trasformano la Città in un laboratorio di creativitá.

Non voglio fare commenti, ma presentare unicamente le immagini...anche se non capisco coloro che sono contro questa manifestazione.Approfitto per augurare un Buon Natale.

Pompei: crolla Armeria dei Galdiatori!

2010-11-06T20:32:00.001+01:00

L'intera Schola Armaturarum Iuventutis Pompeianae di Pompei, è crollata. L'edificio, risalente agli ultimi anni di vita della città romana, prima che l'eruzione la seppellisse, è crollato probabilmente nella notte, poichè il crollo è stato notato alle prime ore della mattina, dai custodi appena arrivati al lavoro.

L'area è stata immediatamente transennata per i primi accertamenti.

L'edificio era situato su via dell'Abbondanza, la via principale e maggiormente percorsa dai turisti che al momento devono seguire un percorso alternativo presidposto per far fronte al crollo.

Nel crollo è andata persa, oltre alla struttura, che attualmente si poteva osservare solo dall'esterno, anche la decorazione dipinta, che richiamava al carattere militare dell'edificio: trofei di armi, foglie di palma, vittorie alate, candelabri con aquila e globi. Roberto Cecchi, segretario generale del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, ha rilasciato alcune dichiarazioni in merito al crollo della Schola Armaturarum: "Questo ennesimo caso di dissesto ripropone il tema della tutela del patrimonio culturale e quindi della necessità di disporre di risorse adeguate e di provvedere a quella manutenzione ordinaria che non facciamo più da almeno mezzo secolo".

"La cura di un patrimonio delle dimensioni di quello di Pompei - aggiunge Cecchi - e di quello nazionale non lo si può affidare ad interventi episodici ed eclatanti. La soluzione è la cura quotidiana, come si è iniziato a fare per l'area archeologica centrale di Roma e per la stessa Pompei".

Pompei - armeria dei gladiatori - Watch more Videos at Vodpod.

da "La Voce"

ARTE in Fiera 2010 - Immagina 12

2010-10-31T22:37:00.000+01:00

IMMAGINA 12 arriva alla dodicesima edizione con un bagaglio di risultati notevoli che, in breve tempo, l'hanno portata ad essere una delle fiere importanti nel panorama artistico nazionale. L'edizione precedente ha visto il gran completo nei 2 padiglioni di 12.000 mq con la presenza di 138 gallerie, 14 case editrici e l'Accademia di Belle Arti di Bologna.

La manifestazione è ulteriormente cresciuta sia per quanto riguarda la qualità delle gallerie che hanno esposto, sia per il numero dei visitatori; molto buono è stato anche il livello delle vendite che ha confermato, con numeri di tutto rispetto, il vivace interesse del collezionismo di una delle zone economicamente più importanti d'Italia. Da sottolineare è l'impegno della campagna pubblicitaria che, così come nell'edizione del 2009, vedrà, tra l'altro, il coinvolgimento delle tre reti radiofoniche nazionali (Radio Rai 1, 2,3), Radio 24, le riviste del settore, i quotidiani, le radio e le televisioni locali.IMMAGINA si presenta ancora una volta con prezzi estremamente corretti e con un progetto espositivo di grande qualità ed eleganza.

26-29 Novembre 2010
Direttore Artistico: Renzo Mezzacapo
Organizzazione:S.I.P.E.R. Fiere di Reggio Emilia
Via Filangieri, 15 - 42100 - Reggio Emilia
Tel. 0522/503511
info@fierereggioemilia.it

L’unica rivista che non utilizza carta. (la liberta’ e’ sul bordo)

2010-10-28T13:51:00.000+02:00

Spiccioli è la sola rivista d’arte contemporanea che è essa stessa opera d’arte. Si tratta, infatti, di una rivista che è anche oggetto e scultura.Se le riviste tradizionali sono destinate a diventare carta straccia, Spiccioli resta!Spiccioli è realizzata da un collettivo di giovani che preferisce restare nell’anonimato; ribalta tutte le regole dell’editoria classica.

Non ci sono argomenti prestabiliti, né punti fermi.Spiccioli sono frasi stampigliate sulla terra con caratteri tipografici; le sue sono pagine da leggere e palpare, ma anche da mangiare e odorare: i testi sono scritti solo sul bordo, invertendo il legame tra orizzontale e verticale.La redazione si trova su un’isola, è un laboratorio di ceramica a cielo aperto che cuoce i numeri in una sola notte e imprime i caratteri sulla materia viva, regalando nuova profondità, fisica e mentale, alla scrittura.

Nel contemporaneità in cui tutto il sapere umano passa all’interno della rete, Spiccioli si presenta con un carattere tipografico dotato di un volume ben definito e di una viva presenza nello spazio.Sono 3 i numeri della rivista fino usciti: Biscotti, Borsetta e Carta igienica a bomba-spaccali.

Ogni edizione, che non ha una cadenza definita (il processo creativo non è organizzabile!)è realizzata in quindici esemplari, reperibili unicamente all’interno del sito acronimo.org.

Il messaggio di Spiccioli è: io non ho idea, tu non hai idea, egli non ha idea, noi non abbiamo idea, voi non avete idea, essi non hanno idea. Spiccioli è un progetto acronimo.orgSpiccioli si ispira alla rivista oggetto concepita da Ettore Sottsass attraverso le “ceramiche libro”.

Il terzo numero di Spiccioli Carta igienica a bomba-spaccali verrà presentato in anteprima giovedì 28 ottobre alle h. 19.00 presso Erastudio Apartment Gallery, Via Palermo 5, MilanoLa mostra Senses ed il progetto Spiccioli condividono l’interesse per una fruizione dell’arte attraverso tutti e cinque i sensi, sviluppando inaspettati rapporti sinestetici tra gli stessi.

Quinta Edizione Premio Internazionale Arte Laguna

2010-10-16T11:25:00.001+02:00

L’Associazione Culturale MoCA (Modern Contemporary Art), in collaborazione con lo Studio Arte Laguna, indice la Quinta Edizione del Premio Internazionale “Arte Laguna” finalizzato alla promozione e valorizzazione dell’Arte Contemporanea. La dotazione complessiva del Premio è di € 100.000 Il Premio è patrocinato tra gli altri dal Ministero degli Esteri, Regione del Veneto, Istituto Europeo di Design. Il concorso prevede l’assegnazione di premi in denaro, l’allestimento di un’importante esposizione collettiva presso l’Arsenale di Venezia, mostre in Gallerie d’Arte/Spazi espositivi, Residenze d'Arte e pubblicazione del catalogo. Il Premio, a tema libero, si suddivide in cinque sezioni: pittura, scultura, arte fotografica, video arte e performance.

Il Premio è aperto a tutti gli Artisti, senza limiti di età, sesso, nazionalità o altra qualificazione. Ogni artista può partecipare con una o due opere anche a più sezioni. Di seguito le specifiche tecniche:
Pittura - opere realizzate in piena libertà stilistica e tecnica (olio, tempera, acrilico, inchiostro, vinile, acquerello, grafite, matita, collage, etc.) e su qualsiasi supporto (tela, carta, legno, plastica, ferro, etc.). Le misure massime consentite per ogni opera sono di cm 150 per lato.
Scultura e installazione - opere create in qualsiasi materiale organico o inorganico. Le opere possono anche avvalersi di suoni, luci, video e movimenti meccanici o elettrici. È possibile presentare le opere in forma di progetto digitale fotografico. Le misure massime consentite per ogni opera sono: base 4 metri, profondità 4 metri, altezza 4 metri, peso 150 kg. L'autore dell'installazione, qualora venga selezionato per la mostra collettiva dei finalisti, dovrà fornire all'organizzazione del premio tutti i materiali necessari per l'allestimento dell'opera e sovraintendere personalmente all'allestimento stesso.
Arte fotografica - fotografie su supporto analogico in b/n e a colori, fotografie digitali in b/n e a colori, elaborazioni digitali in b/n e a colori, opere interamente realizzate al computer. Le misure massime consentite per ogni opera sono di 150 cm per lato.
Video Arte e animazione - video, film e opere realizzate con tutte le tecniche di animazione su qualsiasi supporto digitale e analogico. Le opere dovranno durare un massimo di 15 minuti, titoli di apertura e di coda compresi. Per la mostra finale sono richieste le opere originali riversate o salvate su DVD in alta qualità e in formati compatibili con i più diffusi strumenti di lettura.
Performance - ogni artista o gruppo di artisti può partecipare con una o 2 perfomances che potranno essere realizzate con qualsiasi tecnica e forma espressiva e con l’ausilio di qualsiasi materiale di supporto (video, musica ecc. che dovranno essere fornite e allestite dall’artista stesso qualora l’opera venga scelta tra le finaliste). Ogni singola performance dovrà avere una durata massima di 10 minuti e potrà coinvolgere un numero massimo di 5 artisti. Per le opere che prevedono musica o immagini non originali devono essere garantiti tutti i copyright ed i diritti Siae qualora necessari.

"Attraverso le Tenebre" negli spazi della Galleria d'Arte Moderna "Raccolta Lercaro”

2010-10-13T09:54:00.009+02:00

La mostra “Attraverso le tenebre. Goya, Battaglia, Samorì” è ospitata negli spazi della .Galleria d'Arte Moderna "Raccolta Lercaro”di Bologna sino al prossimo 9 Gennaio 2011. Nella mostra "Attraverso le tenebre.Goya, Battaglia, Samorì, curatada Andrea Dall’Asta S.I., GigliolaFoschi e Michele Tavola, sonoaccostati i lavori di tre artistimolto diversi tra loro per rifletteresulla realtà del male, nell’intentodi individuare percorsi che sianocapaci di suscitare nell’uomoil desiderio di un bene rivoltoall’intera comunità.

Los desastres de la guerra - seriedi ottantadue acqueforti realizzateda Francisco Goya tra il 1810 eil 1820, di cui la Raccolta Lercaropresenta un’ampia selezione - èuno spietato documento chetestimonia la violenza perpetratadall’occupazione francesedella Spagna.
Occupazione chesi concluderà nel 1813 percontinuare, però, con la tragediadell’instaurazione di una monarchiaassoluta che farà precipitare ilpaese in uno dei momenti più cupidella sua storia. Il vero protagonistadelle incisioni di Goya è il male.

Le scene sono raccapriccianti:mutilazione di corpi, fucilazioni,corpi impiccati, impalati.

Personepercosse a morte, giustiziate,evirate, decapitate. Simili a epigrafitombali, le scene si presentanocome un lacerante urlo, cupoe sordo. Il tratto è nervoso egraffiante. Il disegno apparecome tracciato con la cenere deicadaveri, quasi fossero “istantaneedell’orrore” nelle quali Goya mostrala malvagità della natura umana.“Per questo eravate nati” - scriveGoya in un’acquaforte.

Los desastres de la guerra - Acquaforte, puntasecca

La morteappare l’unico esito dell’esperienzaumana.
Tra le vittime più illustridella guerra, in mezzo a tuttequeste macerie, c’è anche la Verità,raffigurata sotto le spoglie di unadonna angelica illuminata da unaluce trascendente (così comparenelle ultime acqueforti): risusciteràforse nel momento in cui gli uominiavranno imparato dalle propriemeschinità, per suggellare un nuovopatto con l’umanità?Con una quarantina di scattifotografici di un teso e contrastatobianco e nero, Letizia Battaglia- fotografa di fama internazionalee vincitrice, tra gli altri, delprestigioso premio “W. EugeneSmith Award” - documenta gli “annidi piombo” della città di Palermo,testimoniando l’atrocità dellaviolenza che lacera la vita della suacittà. Nelle foto dei delitti di mafia,negli sguardi dei morti ammazzati,nei volti carichi di dolore di bambinie di donne, l’autrice invita aprendere coscienza del male dentro e fuori di noi per combatterlo, perlottare e realizzare una societàdiversa, che sappia reagire alletragedie della corruzione e dellasopraffazione.

Una madre piangeil figlio appena ucciso.

Un corpoè stato dilaniato dalle pallottole.Tuttavia, le sue fotografie non sonouna semplice testimonianza. Il suosguardo non è mai distaccato,ma abitato da un senso dipartecipazione e di sofferenza cheparla di vita. Le sue immagini sonopiene di una compassione che cirende solidali con la vita degli altrie ci invita a un impegno civile epersonale.Tragedie che l’uomo ha vissuto dasempre, nel passato, nel presente.Le immagini di Francisco Goyae di Letizia Battaglia si pongonocome metafore del male, comeimmagini di una notte nera chel’uomo è chiamato ad attraversare.

Il male è una realtà che l’uomonon può semplicemente subire.Ma come superare questo abissodel non senso? Come vincerel’indifferenza che ci rende sordial richiamo di un impegno controgli orrori del male? A conclusionedel percorso dei lavori dei dueautori citati è posta una Via Crucis,espressamente commissionatadalla Raccolta Lercaro al giovaneartista romagnolo Nicola Samorì.

Attraverso un linguaggio visionarioche procede per strappi e lacerazioni, l’autore dipinge dettagliche alludono allo sviluppo narrativodelle singole scene, suggerendola continua lotta tra vita e morte,verità e menzogna, luce e tenebre.

La vita non si svolge secondo unosviluppo lineare, ma è un campo dibattaglia in cui l’uomo è chiamatoa compiere le proprie scelte. Comeci indica la Via Crucis, in questoterribile cammino verso la morteGesù assume su di sé la “Croce”del male che abita il mondo e ilcuore di ogni uomo, per liberarci,per indicarci vie di liberazione,percorsi di redenzione.

Gesù portasulle proprie spalle il peccatodel mondo, affinché impariamoa convertirlo in strumento di vita.Il Suo è un invito a percorrerecammini di responsabilità nellaprospettiva di una civiltà che nonsi fondi sulla violenza ma sullacondivisione dei valori.

Andrea Dall’Asta S.I.

Tenebre in mostra- Watch more Videos at Vodpod.

Salvador Dalí a Palazzo Reale

2010-10-02T13:19:00.000+02:00

Mostra di Salvador Dalí arriva a Milano.

Inaugurata a Palazzo Reale il 22 settembre e terminerá il 30 gennaio 2011.

L’esposizione, curata da Vincenzo Trione, è resa possibile grazie alla straordinaria collaborazione della Fondazione Gala-Salvador Dalí di Figueres e si avvale di importanti prestiti provenienti da musei nazionali e internazionali.

L’allestimento è a cura dell’architetto Oscar Tusquets Blanca, amico e collaboratore di Salvador Dalí: autore, insieme con il Maestro surrealista, della sala Mae West nel museo di Figueres e del famoso sofà Dalilips.

Per la prima volta la sala di Mae West verrà realizzata all’interno del percorso espositivo così come fu ideata dallo stesso Dalí: una sorprendente installazione contemporanea.

Chiude il percorso il cortometraggio Destino di Salvador Dalì e Walt Disney, mai proiettato in Italia.

Destino / Salvador Dali - Walt Disney - Watch more Videos at Vodpod.

Arte, Reti Sociali, Terapia di Gruppo e Esorcismo.

2010-09-19T13:16:00.010+02:00

La fine dell´ “Homo Spiens” e l´inizio di una Nuova Era dominata dall´”Homo Percontātionis” o dall´”Homo Notitiae” (le mie scuse per l´uso di questo genitivo che tuttavia trovo appropriato) é ormai alle porte, e mi chiedo come tutti coloro che sono destinati a scomparire o meglio, diciamolo cosí come dev'essere, a morire, per lasciar spazio a ció che verrá, non se siamo preparati come Genere Umano al cambiamento, ma se riusciremo a integrarlo senza esserne distrutti.
Il sorgere del Nuovo Millennio, dopo le importanti convulsioni sociale del Secolo XX, ci ritrova tutti nella Nuova Era della Comunicazione, dove la Globalizzazione é riuscita a mostrarci le fragilità che compongono le Società Terrestri: integrazione Culturale e l´incapacitá di trovare una via di uscita alla pazzia collettiva che si stá appropriando di tutti noi.

Immaginare le rivoluzioni future a livello di genetica, bio-chimica e sociali non é poi cosí difficile: la diversificazione dell´Umanitá, termine che comincia a farmi qualche brivido alla spina dorsale, l´uscita dal Pianeta, il chip integrato come interface al nostro encefalo saranno sicuramente positive, infatti non credo che pericolose regressioni al passato o la stasi evolutiva portino altro risultato se non la fine della propria Umanitá.
Bipolari, depressi, in cerca di una ultima spiaggia, le nostre Societá, non solo quelle ricche, vedono i suoi individui diventare degli autentici avvoltoi, cercando di pigliare tutto ció che possono, subito, adesso, oggi, sensazioni, emozioni, energia, come al passaggio dell´Anno Mille, sentendo che l´Armageddon é vicino.

La Guerra fra le due tendenze dell`Umanitá, “fermiamoci” e “andiamo avanti” é diventata particolarmente feroce, e sembra proprio l´Ultima Battaglia.
Si cercano risposte nella Storia, Filosofia, Musica, Letteratura, Genetica, Biologia, Sociologia, ma la realtà e che ormai, come giá detto viviamo nel “maledettamente ora”!.
Anch´io come tutti mi questiono e cerco di utilizzare la poca logica che mi é permessa in un Universo Terreno dove l´aumento dell´ Entropia Sociale é talmente preoccupante, che a differenza degli ultimi 10000 anni, un individuo da solo puó distruggerci tutti.
Dal punto di vista quantico il contrario potrà essere anche la nostra salvezza: quell´individuo, mutazione fra l´”Homo Sapiens” e il futuro che potrá mostrarci il cammino da seguire!
Credo in questa seconda ipotesi , e penso che la Cultura e l´Arte saranno il motore del cambiamento e rinascita.
Non ridete, non di me ma di voi stessi, non sono un "naif "e la mia analisi é brutale e schietta: mi spiego.
Come tutti sappiamo le paure collettive sono sempre state contrariate dai primordi dell´Umanitá da “esorcismi” di gruppo.
Prendiamo ad esempio il Teatro: esso nasce con uno scopo ben preciso, sin dal mitico Carro di Tespi, passando per il Greco "ἀπὸ μηχανὴς θεός” o nel Latino “Deus ex Machina”, si pretende in fondo riunire la Gente, ed intorno a un fuoco, esorcizzare la paura prima – la Morte.!
L´Arte, e per favore ritiriamo subito le bestialità che accompagnano termini come Arte Concettuale, visto che tutto ha un suo Concetto, Espressione, Necessità e Immortalità, ha sempre avuto queste caratteristiche Universali, ancor prima che si formassero Teoremi sull´ “Estetica” o sul “Bello”.
La nostra Era é una opportunitá unica: tutti siamo diventati scrittori, artisti, fotografi, cuochi...comunicatori di prima linea.
È bellissimo e offre la possibilità di esprimere il meglio dell´”Homo Sapiens” e del suo Universo Creativo Individuale!

La Terapia di Gruppo nell´Era della Comunicazione che viviamo presenta tuttavia qualcosa che non funziona: viviamo il Mondo Virtuale dove “siamo”,“creiamo” e ci “misuriamo” senza renderci conto che le risposte sono date da un interface chiamato PC, anche se sono persone reali che esistono dall´altra parte e interagiscono con noi...manca sempre qualcosa..!
Le ore passano, i giorni, photo shop, corel, la miglior immagine, il testo piú emotivo, “mi piace”, colei o colui di cui siamo diventati “amici” o addirittura “innamorati” per come scrive, per la sua/suo rapiditá di comunicare...é assurdo? No, ma dobbiamo cambiare qualcosa, o molto.
Tutte le espressioni d´Arte o Comunicazione Umana, da cui non escludo il “sesso” devono essere accompagnate da un significato e non fine a se stesse.
Fare sesso senza amore come sport e trattamento per lo stress? Certo ma se lo integrate con l´amore, passa a esistere un senso.
Non é condizione doverosa dell´Arte avere un significato Universale. Il significato non é obbligatoriamente uguale per tutti, ma senza di esso la nostra nuova Era di Comunicazione e Espressione perde il suo senso e capacitá terapeutica.
Abbiamo bisogno di trovare significati e senso nelle Espressioni Artistiche di oggi, rappresentazioni sempre piú individualiste e passeggere..l´ultima foto di un tramonto, per quanto “originale” e “corretta” o “artistica”, si perde nel limbo delle milioni di altre pubblicate in rete nell´ultima ora!
Una tela di Caravaggio o Mondrian sono invece elementi artistici “collettivi” e “universali”! (Caso qualcuno non sia d´accordo sul fatto che siano Universali basta scrivere...)

San Francesco - Caravaggio
Come esorcizzare la paura della Morte?

Come vincere la sfida che il Futuro propone attraverso l´Arte?

Non penso sia piú possible farlo attraverso i “talenti”, le “eccellenze” o il “merito”, visto che ormai siamo totalmente inondati da informazione e pseudo-arte visuale.

Dobbiamo pregare per un Nuovo Messia dell´Arte e della Rete, tecnologie che non possiamo ancora mettere in pratica, affinché tutti questi Universi Creativi Individuali, in tutte le aree di espressione, assumano una loro logica e di modo a vedere quale esorcismo vorremmo soddisfare nel Futuro...forse la Paura dell´Immortalitá!

Nel frattempo, scrivo, leggo, vado a preparare un bel ragú di cinghiale e poi vado a sedermi in spiaggia, cercando di continuare a capire!

by Manuel Faliero Lassi

XVI Biennale di Flamenco Sevilla 2010

2010-09-13T13:59:00.002+02:00

Sivilga, meglio e mi perdonerete, Sevilla (ritengo che i nomi delle Cittá debbano essere trascritti nella loro lingua ufficilae e non tradotti) é un polo Culturale Europeo della maggior importanza.

Sia durante il Franchismo che in Democrazia, il Comune di Sevilla, le sue Genti, hanno promosso e difeso la loro Cultura come pochi.

Conosco ed amo Sevilla, sulla cui Storia e Tradizione potrei scrivere per ore, dalla Culinaria ai grandi Toreri, ma soprattutto la terra del Falmenco.

La XVI Biennale di Flamenco di Sevilla é la Manifestazione Istituzionale che da oltre trent´anni promuove questa Musica, Danza, Sentimento, Melanconia e Allegria che é il Flamenco.

Nessuno Spagnolo da Nord a Sud, da Est a Ovest, rimane indifferente al Flamenco o non l´ho fa suo come Identitá Culturale Nazionale.

Da parte mia, lo faccio mio anch´io!

La Biennale di quest´anno spicca per il suo programma, veramente impressionante per numero di spettacoli a un ritmo freneticamente latino, cosí come per la qualitá degli Artisti interevenienti.

Non mi resta se non segnalare il web site di questa Manifestazione a chi non potrá esserci di persona, e che si terrá dal 15 Settembre al 9 Ottobre 2010.

Bienal de Flamenco Sevilla [2010] Watch more - Videos at Vodpod.

by Manuel Faliero Lassi

Salvatore Melillo espone la serie "Sexting" presso Famiglia Margini

2010-09-10T13:14:00.007+02:00

Forse non é giusto per Salvatore..ció che é politicamente corretto é prendere il Comunicato Stampa, pubblicarlo assieme ad alcune foto, per poi sentirrmi soddisfatto del lavoro fatto!

Dovrei annunciare la nuova Mostra del giovine Artista Salvatore Melillo, con il titolo "Sexting- ´L´Arte degli Autoscatti Osé", dal 5 Ottobre al 30 Ottobre 2010, presso Famiglia Margini, Via Simone D´Orsenigo 6 a Milano.

Per apparire piú meticoloso, potrei mettere dei link ad alcune “frasi” e analisi “fast food” riportate in alcune testate importanti…e se voglio fare una gran bella figura com Salvatore gli spedisco il formulário 28 C/2 com domande che nessuno gli há mai fatto: “Cos´é l´Arte per te?” - “La tua Arte preannuncia una rivoluzione?” – “Chi sono i tuoi Artisti di riferimento nel Mondo dell´Arte?”…ecc.

Ed ecco che abbiamo anche l´ íntervista che oltre a pubblicare in questo blog, spedisco diligentemente a “chi só io” e Salvatore há finalmente ottenuto una copertura della Mostra che supera in 39, 6% le sue aspettative, ed io sono ogni volta di piú "visibile"…

Ma oggi non andrá cosi!

Salvatore Melillo há come primo merito la scelta del Partner ideale per la sua Mostra: Famiglia Margini. Perché?

In questo Universo dell´Arte pieno di Artisti, Galleristi, Intellettuali, Rivoluzionari, Riformisti e Conservatori, l´Arte aspetta in permanenza i suoi Clienti, in un piedistallo che ogni volta di piú allontana la Gente da un linguaggio che ormai non capisce, visto che lo stesso non puó semplicemente parlare attraverso le sensazioni visive dell´Immagine o acustiche del Suono, ma é regolato dal linguaggio di grandi Guru che pretendono spiegarci in primo luogo quanto siamo ignoranti – non conosciamo quelle bellissime, retoriche e vuote astrazioni come “Arte Concettuale” o “Provocazioni Intellettuali”- per poi abbagliarci, sedurci e in fine , lusingarci per la “nostra scelta” diretta da loro, dopo che ci hanno lasciato come Marionette senza argomenti con cui ribattere

Famiglia Margini propone Arte e Artisti nell´unico modo com cui intendo questo Universo, portandoli “dalla Gente”, in Piazza, in un Castello o in Galleria, lasciando libertá di scelta che comincia nel dire “Ecce Homo”, meglio, ecco l´Artista e la sua Opera..non si tratta di un discorso demagogico o populista e non há nulla di Rivoluzionario…semplicemente cosí deve essere!

Salvatore Mellilo si presenta com l´umiltá del vero Artista.

Colui che há ricercato, studiato, scattato, composto, distrutto le immagini per poi passare tutta questa esperienza sulla tela e com coraggio si espone pubblicamente.

Come giá riferito, ho visto alcune testate proporre analisi “fast food” delle sue Opere, il che m´infastidisce profondamente.

Parlare di Arte Contemporanea é un diritto che tutti hanno, dovendo, tuttavia, avere per lo meno l´onestá intellettuale di non fare copy-paste di “pezzi analitici” giá scritti e riproposti, con lo stesso linguaggio, per altre centinaia di Artisti.

L´Arte Contemporanea permette a chi scrive, giudica o analizza di usare tutti i luogi comuni o stupidaggini che reputa “degne”tecnica molto utilizzata dai “Critici d´Arte per trovare celebrità momentanea e masturbazione mentale!

Dal canto mio ritengo che le Opere proposte com “Sexting”, non racchiudono quelle cariche permanentemente sessuali di amanti e compagnia, indipendentemente dal messaggio che Salvatore vuole passare con esse e che non ho voluto confernare, per mantenere quella libertá per scrutare le tele a modo mio.

Prendiamo ad esempio l´Opera proposta in questa foto…denominatore comune con le altre é sicuramente la ricostruzione di immagini erotiche a partire dagli "scatti" che suggeriscono sempre un "quasi feticcio".

Ciò nonostante, io “vedo” e “sento” sensualità anonima a Bianco e Nero ...e se giro il quadro..mi piace ancora!

Lo metterei nelle pareti di casa mia o del mio ufficio? Si!

È forse questa una Critica Artística? A voi il compito di giudicare, ma mi permetto un consiglio…Salvatore Mellilo é vivo e vegeto, espone le sue Opere dal 5 al 30 Ottobre…perché non andate a parlare com lui, e se siete dei curiosi chiedergli tutto quello che volete -"Salvatore, ma cosa ti é passato per la testa per scegliere questo tema?”, “Salvatore, non hai paura che la gente non compri questa serie?”, “Salvatore ma perché diavolo dipingi?”

Poi alla fine, se il prezzo é giusto, magari com uno sconticino, dopo un bicchiere di vino, gli chiedete un passaggio e vi portate a casa una tela di uno che ci ha messo l´anima!

Dixit!

by Manuel Faliero Lassi

Mostra opere di Renato Guttuso alla Fondazione Magnani Rocca

2010-09-07T10:52:00.001+02:00

Sará inaugurata il prossimo 11 Settembre un´importante Mostra antologica delle Opere di Renato Guttuso, presso la Fondazione Magnani Rocca.

La Mostra da l titolo "Passione e Realtá", sotto l´Alto Patrocinio del Presidente della Repubblica, potrá essesre visitata sino all´8 Dicembre.

L’atelier - olio su tela - 162x130 cm. - 1975

Il numero di Opere presenti, 75, di cui alcune cedute da vari Musei e Collezioni, permette un viaggio nella vita di Guttuso, ritrattando le varie fasi pittoriche dell´ Artista; un´anticipo delle celbrazioni per il Centenatrio della sua nascita.

Rigoletto - Mondovisione RAI 1 per tutti!

2010-09-01T22:12:00.013+02:00

RAI 1 presenta in Mondovisione e a partire da Mantova, il 4 - 5 e 6 Settembre 2010, l Ópera divisa in 3 Atti - Rigoletto.

Prodotto da Andrea Andermann, Cinematografia Vittorio Storano e Regia di Marco Bellocchio, drigerá l´Orchestra Sinfonica della RAI il Maestro Zubin Mehta.

Il Cast principale é composto da Placido Domingo nella parte di Rigoletto, Vittorio Grigolo - Il Duca - e Olga Peretyatko - Gilda.
Questo "film" con origini totalmente occidentali, propone la possibilitá di visionare un programma d´Opera di alto livello, rilassante quento una seduta di Reki o Yoga, potendo fuggire al "Grande Fratello" o "Big Brother", scegliendo questo spettacolo che non lascierá ne delusi ne indifferenti.
Raro momento in cui la televisione di stato "fa cultura" sul serio.

Sará sicuramente una produzione da non perdere!

Rigoletto - RAI1 - Watch more Videos at Vodpod

La Biennale di Venezia - 115 anni di Storia

2010-08-29T13:57:00.011+02:00

É proprio vero!

La Biennale di Venezia ha 115 anni!

Fra Guerre Mondiali, Crisi Internazionali e personaggi polemici, abbiamo imparato come questa Manifestazione d´Arte nasce e sopravvive: marketing, denaro, storie di draghi e principesse, dall´Arte polemica di quel signor Warhol fino alla lingua affililata di quel signor Sgarbi.

Con tutto siamo arrivati all´Anno di Grazia 2010.

Per questo epico fatto deve comunque esistere la sostanza: l´Arte con qualitá in tutte le sue Forme.

Penso non ci rimanga molto da dire, a meno che non volessimo sintetizzare e scrivere una Enciclopedia con per lo meno un centinaio di volumi, per presentare e analizzare questa Manifestazione.

Non vogliamo farlo, visto che La Biennale di Venezia ha supporti informatici che permettono seguirla, dall´Architettura al Cinema, scegliendo le notizie che meglio si adeguano alle aspettative del Lettore.

Ci limitiamo ad aiutare fornendo links per seguire la Biennale nel formato favorito

Buona Biennale!

Antropomorfismi

2010-08-29T01:50:00.008+02:00

“La natura è come un arazzo di pregiata fattura intessuto armoniosamente , di cui però vediamo il rovescio e dai fili lenti che vi scorgiamo dobbiamo farci un’idea del disegno nascosto sul dritto”

J.D.Barrow

La serie dei Finman (final man) aveva l’ardita pretesa di catalogare l’incatalogabile, cioè i molteplici aspetti dell’antropomorfismo nella rappresentazione artistica.

L’attitudine a vedere volti dove è difficile individuarli riguarda la percezione, o meglio riguarda la psicologia della percezione e il grado di ambiguità che certe immagini nascondono. I fin man erano un pretesto per cercare di ogni immagine il suo lato nascosto, un pò come capovolgere un quadro di un paesaggio e scoprirvi qualcosa che prima ci era sfuggita: agli inizi degli anni ottanta i miei finman potevano vantare una schiera di illustri precursori più o meno famosi, il quale albero genealogico risaliva agli albori della storia dell’arte.

Fin troppo ovvio è iniziare l’elenco che cercherò a grandi linee di stilare, con i naturalistici e oleosi personaggi di Arcimboldo.

Giuseppe Arcimboldo - ca. 1590 - Museo Civico Cremona

Questo geniale artista vissuto nel 1500, ha usato qualsiasi cosa (fauna, flora e oggetti di uso comune) per rappresentare il volto umano, ha letteralmente capovolto il punto di vista dell’osservatore, dipingendo personaggi composti di cose che non avevano nulla a che fare con l’anatomia di un corpo umano; il suo meme ha profondamente segnato la storia dell’arte, tanto da creare quasi una scuola di pensiero che attraverso i secoli arriva fino ai nostri tempi, lasciando tracce visionarie nelle opere di artisti quali Joss de Momper e e Louis Poyet.

Joss De Momper - Anthropomorphic Landscape 1600

Ma probabilmente nè Arcimboldo nè Joss De Momper conobbero mai gli altri aspetti di questa tendenza che già era radicata nell’arte africana - mi riferisco agli anonimi scultori nigeriani de “la faccia di Zuma Rock” e agli intagliatori di maschere e feticci lignei dell’Africa equatoriale- e non di meno nell’arte polinesiana, con gli intrecciatori delle brutali divinità di paglia del pacifico e con i primitivi scultori dell’Isola di Pasqua; per non pensare ad alcuni ideogrammi cinesi e giapponesi che hanno evidenti caretteristiche antropomorfiche o altrimenti agli assemblaggi rituali di pietre del popolo degli Inuit, i quali erigevano precarie sculture dalle vaghe sembianze umane che si mimetizzavano in un paesaggio fatto solo di rocce e ghiaccio.

Nel novecento, questa sensibilità taoista si ritrova negli strani minerali dal volto umano del Conte Juva Antonin Juritzky (cfr. Testa d’uomo, 1948) il quale, a metà tra archeologia e arte, sosteneva che le pietre da lui trovate e raccolte nella regione francese di Levallois, non erano altro che antichi reperti di artisti preistorici, forse gli stessi residenti del continente sommerso di Atlantide.

Proprio nel XX° secolo, la lista dei nomi che abbracciano la scuola di pensiero dell’antropomorfismo, si arricchisce di altre geniali visioni, ampiamente e individualmente sviluppate da artisti quali Paul Klee, Salvador Dalì, Enrico Baj (soprattutto nei quadri giovanili), Jean Dubuffet,Asger Jorn, Alighiero Boetti e dal pittore contemporaneo afroamericano David G. Wilson; e nemmeno a mio avviso si possono trascurare gli sviluppi (a me molto cari) della visione antropomorfica in una disciplina artistica considerata di serie b, ovvero la comics art: chi non ricorda i primi cartoni animati degli anni trenta di Walt Disney, dove ogni oggetto aveva evidenti caratteristiche umane? Fino ad arrivare negli anni sessanta e settanta del novecento dove la fine del futuro è celebrata dalle creature mutanti del geniale maestro Jack Kirby, disegnatore della Marvel comics.

I miei finman anelavano a riassumere tutte queste multiformi tendenze e perciò la stessa connotazione stilistica era ridotta al minimo.

I finman riflettevano l’impossibilità dello stile e nascevano proprio da questa impossibilità. Questa diversità superficiale sottintendeva però un “superstile”: l’uomo di cartone e l’uomo con occhi,naso e bocca avevano un denominatore comune proprio nel fatto che erano così diversi tra loro.

Indirettamente, finman era anche una riflessione sulla complessità biologica, una riflessione sulla insensata prevaricazione di alcune etnie su altre e attraverso l’ambiguità dei segni cercava una umile ma chiara dimostrazione di quella irreparabile “rottura di simmetria” responsabile dell’enorme varietà e complessità del mondo visibile e invisibile.

L’intento di questo breve testo non è esaustivo ma piuttosto selettivo e potrebbe risultare comunque che alcuni nomi o alcuni aspetti dell’argomento trattato siano stati casualmente o volontariamente omessi: uno di questi aspetti è l’influenza sulla pubblicità del pensiero antropomorfico e questo potrebbe essere un buon argomento da sviluppare in futuro.

By Marco Lavagetto
Versione scaricabile PDF

Fernando Pessoa nel Museo da Lingua Portuguesa

2010-08-27T01:10:00.005+02:00

L' Esposizione multimediale sullo Scrittore, Poeta e Critico Letterario portoghese Fernando Pessoa, é stata inaugurata al Museo da Lingua Portuguesa São Paulo - Brasile, lo scorso 24 Agosto é potrá essere visitata sino al 30 Gennaio 2011.

Dal titolo "Plural como o Universo", ha come obbiettivo principale offrire ai visitatori un viaggio sensoriale attraverso l"Universo Creativo" di Fernando Pessoa, Poeta moderno di una Nazione.

Nato a Lisbona nel 1888, Fernando Pessoa ha trascorso parte dell'infanzia e dell'adolescenza a Durban, Sud Africa, dove ha ricevuto un'educazione inglese. Tornato in Portogallo con 17 anni, ha lavorato come traduttore e dedicò il suo tempo libero alla letteratura.

Ritratto di Fernando Pessoa del Futurista Almada Negreiros
Oleo su tela - 210x210 -Museo da Cidade de Lisboa

Ha scritto con vari nomi d´Arte, tra i quali Alberto Caeiro, Alvaro de Campos e Ricardo Reis, Poesie, Racconti, Saggi e Recensioni per varie pubblicazioni.

Quando morì, nel 1935, non era ben noto anche nel suo Paese (fatto comune a molti Artistri, ma la scoperta di manoscritti e dattiloscritti pubblicati piú tardi, ne hanoo fatto uno dei più grandi Scrittori della Letteratura Occidentale.
Abbiamo scelto questa Poesia fra le numerose da lui scritte, che per buon gusto preferiamo mantenere nella sua Lingua originale.

Alberto Caeiro (Nome d´Arte)
Quando Eu
Quando eu não te tinha
Amava a Natureza como um monge calmo a Cristo.
Agora amo a Natureza
Como um monge calmo à Virgem Maria,
Religiosamente, a meu modo, como dantes,
Mas de outra maneira mais comovida e próxima ...
Vejo melhor os rios quando vou contigo
Pelos campos até à beira dos rios;
Sentado a teu lado reparando nas nuvens
Reparo nelas melhor —
Tu não me tiraste a Natureza ...
Tu mudaste a Natureza ...
Trouxeste-me a Natureza para o pé de mim,
Por tu existires vejo-a melhor, mas a mesma,
Por tu me amares, amo-a do mesmo modo, mas mais,
Por tu me escolheres para te ter e te amar,
Os meus olhos fitaram-na mais demoradamente
Sobre todas as cousas.
Não me arrependo do que fui outrora
Porque ainda o sou.

Wikipedia

by Manuel Faliero Lassi
Ringraziamenti - Manuela Furtado

Domenico Ghirlandaio e il Rinascimento Fiorentino al Museo Thyssen-Bornemisza..e qualcosa in piú!

2010-08-23T00:34:00.012+02:00

La notizia in se é semplice: fino al 10 Ottobre 2010 sará patente al pubblico, presso il Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid, una esposizione del Ghirlandaio e altri contemporanei dal titolo “Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia”.

Opera centrale dell´Esposizione é il ritratto di Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, realizzato dal Ghirlandaio su commissione nel 1489.

Si potrebbe concludere qui o allungare di varie pagine, analizando il ritratto, descrivendo il contesto storico o semplicemente presentando il resto della Collezione e degli Artisti in essa rappresentati.

Ma non é questo il mio obbiettivo.

La visita che ho potuto effettuare al Museo dovrebbe descrivere le molte virtú delle Opere e Artisti giá universalmente conosciute, catalogate, valutate e descritte, ma ció che pretendo in questo caso é lasciare una nota sull´eccelente capacitá del Museo Thyssen-Bornemisza nell´organizzare questa Esposizione e specialmente l´utilizzo, oltre ai media, del web site come pochi Enti o Istituzioni sanno fare.

Il Catalogo é un´altra “opera prima”, da visionare e conservare.

Se non vi é possibile visitare Madrid e l´Esposizione, consolatevi attraverso la visita virtuale che il Museo mette a disposizione.

VISITA VIRTUALE

Per “fare bene” in rete ci vuole solo un pó di buon gusto e senso del “bello”, alleati a “pazienza”.

Naturalmente, complimenti al Museo Thyssen-Bornemisza.

Dixit!

by Mnauel Faliero Lassi

Esposizione di Gino Loperfido nella Galleria Tavassi Arte

2010-08-22T01:38:00.012+02:00

Gino Loperfido espone 33 opere nella Galleria Tavassi Arte a Porto Cervo, dal 4 all´11 Settembre 2010.

Pittore, Scultore e Designer, Gino Loperfido é un´Artista la cui voglia di esprimersi é un´atto al quale non puó rinunciare.

Attraverso la sua Pittura e il Disegno l´espressione non permette, a chi cerca di utilizzarla come uno specchio, di cogliere i pensieri e gli umori celati in esse: nessuna capacitá empatica vi riesce.

Tuttavia il Disegno, utilizzato da molti Artisti che poi si ritengono Pittori, é la base sulla quale sviluppa la sua cretivitá pittorica, da cui, forse, possiamo intravedere l´anima curiosa e permenentemente alla ricerca di un significato.

La necessitá del "Concetto" (non certo di quell´Arte Concettuale ormai sulla bocca di tutti) si esprime poi nel Design.

Artista che ha vissuto e vive le sue esperienze, sapendole interpretare e gestire in modo sapiente, é in costante Evoluzione.

Non essendo un Surrealista, notiamo con piacere una traccia grafica piú che pittorica, che ricorda Dalí.

Un´Artista Contemporaneo Italiano...dixit!
http://www.loperfido.it/
http://www.equilibriarte.org/site/loperfido

by Manuel Faliero Lassi

Installazione di Anri Sala al MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt

2010-08-21T12:16:00.007+02:00

Anri Sala presenta al MMK di Frankfurt la doppia installazione dal titolo “Title Suspended”.

Composta da due mani plastiche ricoperte da guanti viola, in un contrasto cielo-terra fra immobilismo e movimento, carico di umorismo sempre di buon gusto, per richiamare alla nostra mente altre dita stese che quasi si toccano (vedi affresco Michelangelo).

La mostra inaugurata ieri, potrá essere visitata sino al 30 Ottobre 2010.

Anri Sala è nato nel 1974 a Tirana, in Albania ed è ampiamente considerato uno degli Artisti piú promettenti dello scenario contemporaneo.

In Italia é conosciuto come Cineasta per aver vinto nel 2001 il Leone d'Oro alla Biennale di Venezia.

by: Manuel Faliero Lassi

Villa d' Este aperture serali ogni Venerdi e Sabato, fino all'11 settembre 2010

2010-08-19T13:23:00.002+02:00

Villa d´Este, Patrimonio Mondiale decretato dall UNESCO, é uno dei capolavori del Rinascimento.
La Villa potrá essere visitata la sera, ogni Venerdi e Sabato, fino all´11 Settembre 2010.

Orario di apertura: 20.30-00.00 (ultimo ingresso ore 23.00)
Costo del biglietto: 10,00€ intero; 6,00€ ridotto.
Gratuito: 0-13 anni
Ridotto: 14-18 anni e over 65 anni (previa presentazione di un documento di identità)

Si puó acquistare il biglietto anche su internet: scegli il tasto BIGLIETTERIA ONLINE nel menù del sito http://www.villadestetivoli.info/

Sarzana: Mostra Nazionale di Antiquariato

2010-08-18T13:56:00.006+02:00

Antiquariato e Sarzana è un connubio dalle radici profonde.

La guida di Sarzana del Torritti pubblicata nel 1963 cita Via Mascardi come via degli antiquari, una tradizione che è rimasta viva tanto che ancora oggi le vie del centro storico sono "popolate" da negozi e da botteghe di artigiani. Nel 1965 dalla volontà degli Antiquari Sarzanesi nasce “La Soffitta nella strada”, mentre “La Mostra Nazionale dell’Antiquariato”, giunta alla XXXI edizione, è successiva.

http://www.sarzanaantiquariato.it/

Leggiamo in un catalogo della Mostra Nazionale:

“La città di Sarzana, storicamente conosciuta per i suoi alti momenti di espressione artistica e culturale e, con essa, l'Amministrazione Comunale, non possono che plaudire alla tenacia ed alla professionalità degli organizzatori della Mostra Nazionale dell'Antiquariato.

È grazie a Loro, infatti, che il Palazzo degli Studi di Via L. Neri, nel mese di Agosto fino al 23, si trasforma in una “kermesse" di piccoli salotti antiquari i quali rappresentano, nella loro originalità e professionalità, un'alta immagine di un mercato che, nel tempo, per estensione e qualità, ha acquisito unanimi consensi.

Soffitta nella Strada. Sarzana Agosto 2010, posted with vodpod

Turner y los Maestros en Museo del Prado

2010-08-18T00:59:00.012+02:00

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Organizada por la Tate Britain, en colaboración con la Réunion des Musées Nationaux y Galeries Nationales du Grand Palais y el Museo Nacional del Prado.

El Museo del Prado abre al público la gran exposición Turner y los Maestros, procedente de Londres (Tate Britain, del 23 de septiembre de 2009 al 31 de enero de 2010) y París (Grand Palais, del 22 de febrero al 24 de mayo). La exposición pone de manifiesto que el artista británico realizó su obra con perfecta conciencia de la pintura de los maestros antiguos, a los que estudió en profundidad, sin dejar de prestar atención a la aportación de algunos de sus contemporáneos.

La exposición plantea por primera vez un diálogo entre las obras más relevantes del artista, las de los maestros de otras épocas y los de la suya propia. En el Museo del Prado, donde se expondrán un total de 80 obras procedentes de instituciones y colecciones europeas y norteamericanas, se incluirán algunas novedades con respecto a las muestras de Londres y París como Sombra y oscuridad. La víspera del Diluvio, Luz y color. La mañana después del Diluvio y Paz. Entierro en el mar, tres obras maestras que Turner realizó al final de su carrera.

Con voluntad de totalidad, Turner y los Maestros pretende que el visitante pueda percibir el alcance de los vínculos de artista con otros pintores muy destacados como Rembrandt, Rubens o Claudio de Lorena, entre otros, y el modo profundamente original en que asimiló su influencia desde el período inicial de su carrera a sus últimas composiciones.

Turner y los Maestros, posted with vodpod

Skin Exhibition at Wellcome Collection

2010-08-14T02:31:00.014+02:00

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London - At Wellcome Collection the 'Skin' exhibition invites you to re-evaluate the largest and probably most overlooked human organ. We consider the changing importance of skin, from anatomical thought in the 16th century through to contemporary artistic exploration.

Covering four themes (Objects, Marks, Impressions and Afterlives), 'Skin' takes a philosophical approach. It begins by looking at the skin as a frontier between the inside and the outside of the body. Early anatomists saw it as having little value and sought to flay it to reveal the workings of the body beneath.

The exhibition then moves to look at the skin as a living document: with tattoos, scars, wrinkles or various pathologies, our skin tells a story of our life so far. Finally, the skin is considered as a sensory organ of touch and as a delicate threshold between life and death.

Skin Lab, which features artistic responses to cutting-edge research and technological developments in skin science from the mid-20th century onwards, will complement the exhibition.

The exhibition contains human remains and graphic images.

Please call on 020 7611 2222 if you would like further information.

Wellcome Collection

Skin exhibition tour (HD) , posted with vodpod

Ana Lima Netto, la pittura e l´inquietudine di una coscienza

2010-08-10T03:50:00.022+02:00

Fra centinaia di Artisti perché scrivere qualcosa su Ana Lima Netto?

Sulla sua Arte, certamente meritevole e sulla quale pretendo realizzare alcune considerazioni, é effettivamente una ragione scontata per ritrovarmi qui a scrivere.

Tuttavia non posso dissociare l´Essere dalla sue Opere.

Ana, per i curiosi, é nata a Lisbona nel 1960, una grande Capitale europea di una Nazione "troppo piccola" nel Marketing dell´Arte, distorto e praticamente inesistente, per lo meno in questo hanno di grazia del 2010.

Architetta, é un´anima tormentata dal lato nero della natura umana, che cerca disperatamente di rappresentare e esorcizzare nei suoi vari passaggi aristici e nelle tecniche che utilizza.

I suoi "periodi artistici" sono stati definiti da alcuni come inizialmente vicini all' Impressionismo o al Puntinismo, durante gli anni 90, passando per fasi Minimaliste e quel che si voglia credere..

La serie "Triades" , presentata nel 2000, e completamente venduta durante l´Esposizione, ranncontava la storia di una tribú, esseri divini alieni, piú cari a un antropomorfismo religioso che ad esseri umani, ma anch´essi macchiati dalle paure e violenze, esorcizzate nella rapresentazzione di strutture formali e colori semplici, fusi in tono sapiente.

Triades - Alleluia Nasceu - acrilico su tela - 130x90 cm - 1999

"Tormento e disfacimento di una Donna completa" suggerisce l´amico Giuseppe: e sí che ha riassunto la Donna e la sua Arte.

Ana ha sempre prediletto dipingere Serie; non in "serie", ma Serie dove un´ unica tela o disegno non poteva, ne puó, riassumere l´angoscia di rappresentare e soprattutto scacciare i demoni.

La ricerca permanente per sintetizzare le sue opere, l´hanno portata a esperienze radicali, dove la necessitá di ritirare il superfluo dalle tele, per rilevare la purezza del messaggio, a volte diventa esasperata.

Nel 2001 presenta una tematica controversa: non piú colori e lavori senza titoli...umani-neri "disegnati" su "nero" e ció che in sintesi rimane, ed é rilevante, l´impronta di un volto, che si assomiglia a una sindone.

senza titolo - acrilico su tela - 150x150cm - 2002

Ana non molla mai....appare sempre rispettando la necessitá del racconto e del saper riassumere, e fra il 2002 e il 2007 le opere diventano piú "grafiche", con varie Serie di cui distacchiamo "Visage" e "Fundação de Portugal".

Visage - Visage I - acrilico su tela . 150x150 cm - 2002

Si, ma questa é solo biografia e non m´interessa dire piú di tanto sul suo Curriculum, Premi, Mostre o dov´ é rappresentata..

Importante é sapere che mi trovo davanti alle Opere di un´Artista genuina, che non appartiene a nessun altro movimento artistico che non il suo.

Non copia l´Arte ma si esaurisce nella ricerca permanente dei suoi significati e significanti.

La sua simbologia é unica.

Per ultimo la sua futura Esposizione: só giá che avremo un´Arte di Fusione, Passato e Presente, con materiali Futuristi che obbligherranno coloro che si disporranno a vedere le sue Opere a un´azione ardua, "Pensare"

by Manuel Faliero Lassi

Salavador Dalí at High Museum of Atlanta

2010-08-09T18:18:00.005+02:00

Traduci in Italiano

The High Museum of Atlanta will be the sole venue for the first exhibition to focus on Dalí's art after 1940. The exhibition, featuring more than 100 works including 40 paintings and a related group of drawings, prints and other Dalí ephemera, will explore the artist's enduring fascination with science, optical effects and illusionism, and his surprising connections to artists of the 1960s and 1970s such as Andy Warhol, Roy Lichtenstein and Willem de Kooning.

Salvador Dali High Museum August 7, 2010 - Janu..., posted with vodpod

Burri e Fontana a Brera

2010-08-09T17:45:00.005+02:00

La Pinacoteca di Brera propone per la prima volta un confronto fra i capolavori delle sue collezioni storiche e i dipinti di due grandi del Novecento, Alberto Burri e Lucio Fontana.

Una mostra - curata da Sandrina Bandera e Bruno Corà - che permette alle opere dei due straordinari artisti di entrare oggi prepotentemente in Pinacoteca, non per completarne le collezioni, ma per proporre una nuova fruizione dei suoi dipinti più noti, dagli esiti inaspettati...

La mostra puó essere visitata sino al 30 Ottobre 2010

Jakob S. Boeskov Artist and Designer

2010-08-09T13:19:00.006+02:00

Traduci in Italiano

Jakob Salomon Boeskov is a Danish-Icelandic artist and filmmaker. He produces drawings and videos that has been shown in museums in Europe and America.

Jakob S. Boeskov - self portrait

Boeskov was born in Elsinore, Denmark and later moved to Copenhagen where he started to produce "underground" comics. In his comics real and fictive characters would mix on the same pages. (This mix of "documentary" and "fiction" is something Boeskov later would get back to in his art and his filmmaking.)

In 2001 Boeskov created his own artistic concept, Fictionism. The stated idea of Fictionism is to "test out future products today" Boeskov's most well known piece is My Doomsday Weapon (2002) where he, together with journalist Mads Brügger and industrial designer Kristian Von Bengtsson, created a fake hi-tech weapon called the ID Sniper rifle.

This fictive weapon could shoot of GPS chips into demonstrators, so that the police later could locate them and "apply the punishment." Boeskov brought drawings of this weapon to a weapons fair in Beijing, China, where the weapon received positive reactions from real weapons dealers, politicians and policemen. Boeskov described the project "like being a sci-fi writer caught in his own novel"

The project received worldwide press and caused Boeskov to receive purchase orders from military and security agencies from around the world.

In 2007 Boeskov started a short lived musical project called Black Scandinavia. The band performed with Gang Gang Dance in New York and Copenhagen.

In 2009 Boeskov directed his first feature film ("Black Phone"). The semi-autobiographical film is currently in post production.

Statens Museum for Kunst: Jakob S. Boeskov

Jakob S. Boeskov Video - talks about "The Secret DK", about badges and logos, the piece "The Wreck", about Irony, the piece "2004-2005", about provoking and changing the world

Ludwig Museum: Roy Lichtenstein

2010-08-09T13:11:00.003+02:00

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The Ben-Day dots of Pop Art maestro Roy Lichtenstein (1923-1997) have become world-famous. Using motifs from comic strips and the consumer world, Lichtenstein created paintings made up of dots and coloured surfaces.

At the exhibition in Museum Ludwig you can now discover a completely different side to his art. In around 100 exhibits, predominantly large-sized paintings as well as accompanying drawings and sculptures, we can follow how he explored various styles from art history, ranging from Expressionism and Futurism to the Bauhaus, Art Déco and even east Asian landscape painting.

Works and the stylistic hall-marks of such artist heroes as Monet, Matisse, Mondrian and Dalí appear as themes and set elements, which Lichtenstein rephrases in his own imagery with a mixture of irony and mastery. Even Picasso gets cast in a totally new light, becoming a pseudo-comic that reflects the clichéd image of the artist.
The impressive paintings from the series "Brushstrokes" show precisely that - brushstrokes, but massively enlarged and stylised.
They testify to Lichtenstein's searching reflections on painting and may be seen as the key works in the exhibition Museum Ludwig has the largest collection of American Pop Art outside of the USA, with many works by Lichtenstein. After visiting the Lichtenstein exhibition you can take a tour round the museum's permanent collection, which gives fascinating insights and points of comparison with works by Léger and Picasso, and even Kirchner and Magritte.

The exhibition has been organised in close collaboration with the Roy Lichtenstein Foundation..

Ludwig Museum
Roy Lichtenstein. Kunst als Motiv
2.7 bis 3.10.2010

Felice Casorati - 1883/1963 - Video

2010-08-09T13:11:00.001+02:00

Felice Casorati, posted with vodpod

Carmen . Metropolitan 2010

2010-08-09T00:34:00.008+02:00

Carmen Metropolitan 2010, posted with vodpod

Roma percorsi notturni fino al 2 Ottobre

2010-08-08T19:28:00.006+02:00

Dopo lo straordinario successo delle visite notturne del Colosseo inaugurate lo scorso anno, a partire dal 21 agosto la Soprintendenza speciale per i beni archeologici di Roma ripropone ogni sabato, fino al 2 ottobre, un percorso notturno dell’anfiteatro Flavio.

Una mongolfiera sospesa sul piano dell’arena illuminerà i sotterranei, le gallerie e le arcate interne del Colosseo. L’illuminazione algida come i bagliori di luna piena conferirà alla cavea dell’anfiteatro un’atmosfera unica.

Il percorso, organizzato in gruppi guidati da un archeologo, prevede una visita agli spazi espositivi permanenti dedicati alla storia del Colosseo, della cui costruzione Vespasiano fu promotore e artefice, e che riuniscono reperti trovati negli scavi del monumento. I temi trattati spaziano dall’architettura dell’anfiteatro, con il suo ricco corredo di rivestimenti e arredi marmorei, al funzionamento dell’apparato tecnico che consentiva il sollevamento di uomini e animali dai sotterranei al piano degli spettacoli, l’arena, alle molteplici attività e ai passatempi cui gli spettatori erano dediti nei momenti di pausa. La visita prosegue con la mostra Gladiatores, che illustra la “professione” del gladiatore attraverso le armi e gli accessori eseguiti da esperti artigiani sulla base delle descrizioni degli autori antichi e delle raffigurazioni su affreschi, rilievi, mosaici, graffiti giunti sino a noi, rivelando lo scintillio di colori nei costumi dei lottatori.

Il percorso si conclude sul piano dell’arena con una suggestiva visione sugli abissi del Colosseo, quei sotterranei che ospitavano gli animali e l’armamentario necessario a sollevare sull’arena i complessi apparati scenici che facevano da sfondo agli spettacoli.

L’ingresso per la visita si effettuerà dal cancello nord, sul lato verso il Colle Oppio.

Per la prima volta quest’anno, invece, saranno aperte alla visita serale anche le Terme di Caracalla. Prima serata il 21 agosto, ogni sabato fino al 23 ottobre.

Durante la visita saranno evidenziate le caratteristiche architettoniche e l’apparato decorativo dell’edificio termale, oltre alle diverse funzioni di ogni singolo ambiente. Saranno inoltre illustrati quegli aspetti di vita quotidiana inerenti allo svago, alla cura del corpo e all’organizzazione del complesso termale.

Le Thermae Antonianae, uno dei più grandi e meglio conservati complessi termali dell’antichità, furono costruite nella parte meridionale della città per iniziativa di Marco Aurelio Antonino Bassiano detto Caracalla, che dedicò l’edificio centrale nel 216 d.C. La pianta rettangolare è tipica delle “grandi terme imperiali”. Le terme non erano solo un edificio per il bagno, lo sport e la cura del corpo, ma anche un luogo per il passeggio e lo studio. Le Terme di Caracalla sono uno dei rari casi in cui è possibile ricostruire, sia pure in parte, il programma decorativo originario. Le fonti scritte parlano di enormi colonne di marmo, pavimentazione in marmi colorati orientali, mosaici di pasta vitrea e marmi alle pareti, stucchi dipinti e centinaia di statue e gruppi colossali, sia nelle nicchie delle pareti degli ambienti, sia nelle sale più importanti e nei giardini. Per l’approvvigionamento idrico fu creato un ramo speciale dell’acquedotto dell’Acqua Marcia, l’Aqua Antoniniana. Restaurato più volte, l’impianto termale cessò di funzionare nel 537 d.C.

Le sue imponenti strutture, appariranno ancor più gigantesche con le luci notturne.

Colosseo:

tutti i sabato dal 21 agosto al 2 ottobre 2010, dalle 21 alle 24.00 (ultimo ingresso ore 23.00) visite in italiano e inglese.

Terme di Caracalla:

tutti i sabato dal 21 agosto al 23 ottobre 2010, dalle 21 alle 24.00 (ultimo ingresso ore 23.00) visite in italiano e inglese.

Prenotazioni

Mondadori

tel. 39.06.42029206 – 340 5575340

press.electamusei@mondadori.it

Ufficio Stampa Pierreci/Codess

Leonardo Guarnieri

tel. 39.06.39080745 – 329 4983652

leonardo.guarnieri@pierreci.it

Enna: Il Parco delle Sculture

2010-08-08T17:44:00.003+02:00

IL parco della scultura enna 8 agosto 2010, posted with vodpod

Williams Carmona en el Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR)

2010-08-08T13:25:00.005+02:00

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Puerto Rico - El Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR) presenta “Verdades que me fatigan”, la nueva propuesta estética del artista cubano Williams Carmona, hasta el 29 deAgosto de 2010, en la Galería RJ Reynolds.

La exhibición, compuesta por 5 instalaciones con sus respectivos bocetos y 2 pinturas presenta, según su autor, un paréntesis muy singular y crucial en su vida como creador. “A mis 40 años he descubierto grandes verdades ocultas que me han fatigado, que siempre fueron fantasías, leyendas, bromas de calles que nos inventamos para prevalecer unos por encima de otros, verdades de humor negro o costumbristas...” dijo Carmona.

El artista añadió además, “Todos podrían herir a la verdad, pero nadie podría matarla. Ya casi nada es verdad, todo está permitido. La verdad debe ser un pacto de honestidad consigo mismo, sin pasiones ni mordazas.”

Las instalaciones que componen la exposición y para las cuales se vale de maniquíes intervenidos son: ‘Debajo de la falda de mamá’, ‘Piedras y flores’, ‘Muerto de felicidad’, ‘Callan como los peces’ y ‘Repítelo otra vez’. Además se incluyen en la propuesta las pinturas ‘Flores y pimienta’ y ‘Mi amigo de conciencia Toulouse Laurec’. Los maniquíes están revestidos de personajes procedentes de un realismo mágico, que nos cuentan historias que trascienden la cotidianidad. Utilizando elementos del barroco europeo, Carmona brinda su interpretación sobre la sociedad en la que vivimos a través de una obra que habla al espectador con voces y dimensiones universales.

"Esta será una muestra donde hago una recopilación de mis propias historias y de vértigos sucesivos que me empujaron a entender nuevamente mi posición en este único mundo...," concluyó el artista.

Presentazione Mostra "La fine dell'Avanguardia da De Chirico a Guttuso" con VIttorio Sgarbi

2010-08-08T05:36:00.003+02:00

Presentazione Mostra "La fine dell'Avanguardia ..., posted with vodpod

Resinopolis-X -Triennale di Milano 2010

2010-08-08T02:04:00.003+02:00

Cos´é l´Arte, o meglio quando possiamo definire che una realizzazione umana sia Arte? Riflessioni nell´Era della Comunicazione e Tecnologia

2010-08-08T01:04:00.019+02:00

Fra amici appassionati d´Arte, e dopo aver esaurito i temi piú frivoli della conversazione notturna, dai Mondiali di Cálcio all´Arte culinária, in una notte d´inizio primavera, seduti com un bicchiere di vino, finalmente arriva il confronto, la discussione e a volte una certa violenza per imporre e spiegare cosa sia l´Arte.

Se il primo ostacolo sulla definizione di cos´é l ´Arte puó essere superato, la passione che coinvolge gli intervenienti nella discussione degenera in una lotta senza quartiere quando si cerca di creare una sintesi, un concetto universale su quando una qualunque realizzazione umana diventa Arte!

In veritá esistono troppi aspetti Culturali che creano “rumore e distorsione” nell´ affrontare il tema.

Alcuni cercano aspetti antropologici legati alla “latinitá”, altri alla “americanitá” o qual si voglia altra Identitá Culturale; passiamo poi a concetti come l Estetica, la Storia o la visione moderna della nostra nuova Era della Comunicazione.e Tecnologia

Ovvero, non arriviamo a nessuna conclusione!

Ció che propongo in queste linee, null´altro puó essere che la mia visione personale e oggettiva della questione.

L´argomento e rispettivo quesito trova una sua risposta in un contesto culturale, ossia in una visione storica, etetica e sociale del tempo in cui viviamo.

Certo é, che anche la Societá del “presente” che esprime una sua valutazione, non puó ne deve astenersi dall´onestá intelletuale che le compete; non possiamo paragonare i bisonti rappresentati nelle caverne dagli artisti della preistoria con un dipinto del Caravaggio, senza tener conto del tempo in cui le stese Opere sono state realizzate e dei canoni estetici vigenti all´ epoca.

Cambia il modo in cui l´Artista rappresenta cosí come le tecniche e le tecnologie e ad ogni giorno che passa, in veritá, tutti gli esseri umani tendono a voler rappresentare per scritto, attraverso immagini e suoni il loro Universo Creativo, i cui canoni sono completamente soggettivi.

Possiamo solo prendere atto di questo fenomeno e chiederci come sará vista l´Arte e l´ Opera d´Arte fra cinquecento anni...cosa rimarrá di tutta questa produzione in cui tutti cominciano ad essere Artisti e comunicatori del próprio messaggio universale...

LÁdorazione - Caravaggio

Non ho una risposta, ma sono sicuro che i posteri continueranno a credere in Caravaggio...il perché é sicuramete basato sul mio istinto!

by: Manuel Faliero Lassi

Collezzionismo, Collezionista:cosa e chi?

2010-08-08T01:00:00.013+02:00

Collezzionismo, Collezionista, un verbo e um sostantivo per definire colui che pratica l´atto di raccogliere, catalogare ed esporre oggetti per eesere ammirati dallo stesso o da altri.

Molte sono le definizioni, ma credo che il tutto si possa riassumere nella ricerca di una identitá propria e nel senso di possesso che l´animale Uomo si porta appresso dall' inizio dei tempi.

Quando ci rfieriamo al Collezionista, immediatamente pensiamo a quel “Topo di Bibblioteca”, con i suoi francobolli o faralle, racchiuso in un´ambiente con odore a naftalina.

Com un pó di aiuto capiamo finalmente che le Comunitá rappresentate dai Borghi sino agli Stati, attraverso le loro Istituzioni, Musei e Enti, sono i maggiori Collezionisti esistenti, rappresentando identitá Popolari o Nazionali con ció che raccolgono ed espongono, e che molte volte definiamo o sentiamo definire, com alcuna pompa, Identitá Culturale.

Spingendoci un pó piú avanti, c´é da chiedersi, cosa Colleziona l´Umanitá nel nuovo Universo chiamato “Globalizzazione” e che rappresenti l´Identitá Culturale di tutti?

Penso sai una questione a cui ognuno dovrá dare la propria risposta!

Non ho alcun dubbio che le condizioni economico-finanziarie sono estremamente importanti per il successo di una Collezione, segnale visibile, ad esmpio, é la diefferenza esistente tra l´Europa e l´Africa: chi in Africa sogna di Collezionare e Catalogare una Collezzione di lattine vuote e preparare una vetrina per esporle?

Oggi si Colleziona praticamente tutto.

Dai classici Francobolli ai vecchi “VHS o Beta”, dalla Pittura Nturalista dell´800 ai pacchetti di Cartine per Sigarette, dalle Automobili ai pezzi del Muro di Berlino.

Il Collezionista raramente Colleziona com l´intuito di guadagnare: la sua Collezione serve per ricercare la tale Identitá o come esercizio virtuale di un´Ordine Mentale.

Senza dubbio Collezionare é anche e soprattutto un´Atto Culturale che sfocia nel divertimento!

E allora divertiamoci: Collezzioniamo!

By: Manuel Faliero Lassi 7.12.2009

Atelier Damien Valero: EXVOTO 33A

2010-08-07T21:25:00.002+02:00